My work is created by applying traditional Japanese mineral pigments (iwa-enogu) onto washi paper mounted on shaped panels. Viewers who encounter my work through social media or photographs often question its actual form—whether it is three-dimensional or flat. If it is flat, they wonder where the painted image ends and where the actual shape begins. They ask which part is the “real” one.

However, by standing in front of the work, it becomes clear that it is a “flat object” painted on a silhouette-cut panel, and the “truth” that exists there rises again.

I aim to blur the boundary between the real world and the artwork, creating visual illusions by depicting signs of fraying, decay, weathering, and light-and-shadow phenomena found in landscapes as structures such as gardens or buildings. By fixing the fluctuations of imagery that move between imagination and reality, between two and three dimensions, into a form, and by giving materiality to a flat surface, I attempt an expression that questions one’s way of seeing and the essence of things.

Kosuke Nakane

私の作品は、シェイプドパネルに和紙を貼り、日本画の伝統技法である岩絵具を用いて彩色することで制作しています。SNSや写真で作品を目にした鑑賞者は、しばしばその実体に疑問を抱きます――立体なのか平面なのか。平面であるなら、どこまでが描かれたイメージで、どこまでが実際の形状なのか。本物はどれか、といった問いです。

しかし、作品の前に立つことで、シルエット状に切り出されたパネルに彩色された「平面物」であることが明らかになり、その場に存在する“真実”が再び立ち上がります。

私は、現実世界と作品の境界を曖昧にし、視覚的な錯覚を生み出すため、風景に見られる綻びや衰退、風化の痕跡、光と影の現象を、庭園や建築物などの構造物に見立てて描きます。空想と現実、二次元と三次元のあいだを往還するイメージの揺らぎを形として定着させ、平面に物質性を与えることで、“ものの見方”の転換と本質を問い直す表現を試みています。

中根航輔

Kosuke Nakane is an artist who blurs the boundaries between painting and sculpture with a decidedly playful precision. Although his works remain flat, they create a striking sense of spatial depth reminiscent of classical trompe-l’œil techniques, without ever adopting their strict illusionism. Instead, his images open up like small stages of color, pigment, and light. This spatial effect is further intensified by the way the works extend from the wall, casting unusually deep shadows. In Nakane’s practice, the shadow becomes a collaborator: it expands the image, shifts its contours, and compels viewers to constantly readjust their perception.

Thus, a nearly performative moment arises in the act of viewing. One moves around the work, tilts one’s head, changes distance, probes its dimensions—yet the impression remains subtly unstable. Nakane invites us to oscillate between seeing and recognizing, as if feeling along the edges of our perceptual habits.

His materials contribute significantly to this sensual ambiguity. Pigments derived from animal remains, minerals, and plants merge on delicate Japanese rice paper (washi) into vibrating surfaces, interwoven with the gentle shimmer of applied silver leaf.

The motifs themselves are playful and imaginative, shifting between suggestions of game boards, digital renderings, or amorphous amusement parks without ever becoming concrete. At the same time, traditional Japanese patterns or constellations from garden architecture seem to flicker into view—like fragments of memory that appear briefly only to dissolve again. It is within this tension between suggestion and openness that Nakane’s works unfold their true power: a state of suspension in which the image becomes simultaneously object, surface, and imaginary space.

Text : Künstlerhaus Bethanien

中根航輔は、絵画と彫刻の境界を、遊び心と精密さをもって軽やかに越えていくアーティストです。作品はあくまで平面でありながら、古典的なトロンプルイユ（だまし絵）のような奥行きを感じさせます。しかし、その錯視を厳密に再現するわけではありません。むしろ、色や顔料、光が柔らかく広がる“小さな舞台”のような空間が、画面の中にそっと開かれていきます。この空間的な感覚は、作品そのものが壁から少し浮き上がり、深い影を落とすことでさらに強まります。影は作品の「協力者」となり、イメージを押し広げ、輪郭を揺らし、鑑賞者に絶えず見方を変えるよう促します。

そのため、作品を見る行為には、どこかパフォーマンスのような側面が生まれます。鑑賞者は作品の周りを歩き、頭を傾け、距離を変え、寸法を探る——それでも印象は安定せず、かすかに揺れ続けます。中根は私たちを、「見る」と「理解する」のあいだに揺らぎ続ける感覚へ誘い、普段の見え方の先入観をそっと撫でるように問い直します。この曖昧で官能的な魅力は、彼が使う素材にも深く関係しています。膠や岩絵具、植物から採られた顔料が、繊細な和紙の上で溶け合い、銀箔などの質感がほのかな輝きとともに、微細に震えるような表情をつくり出しています。

モチーフはゲーム盤のようにも、デジタル画像のようにも、あるいは形の定まらない遊園地のようにも見えますが、はっきりとは定まりません。同時に、日本の伝統文様や庭園の構成を思わせるかたちが、記憶の断片のように一瞬だけ浮かび上がっては、また消えていきます。
この「示唆」と「余白」とのあいだにこそ、中根の作品の真価があります。イメージが、物体であり、表面であり、想像上の空間でもあるという、宙づりのような状態を静かに保っているのです。

テキスト：クンストラーハウス・ベタニエン